世界上最贵的画你看得懂吗？
导读：世界上最贵的画你看得懂吗？
世界上最贵的名画数不胜数。有些画作被拍卖过，其价格可以以此为参照；而有些名画一直被国家级博物馆收藏，属于一级国宝，虽价值连城，却无人知晓究竟能“连”几座城。
【A】西方价值连城的油画
（1）达芬奇的《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》；（2）梵高的《向日葵》《第一步》；（3）米开朗基罗的《亚当的创造》；（4）毕加索的《梦》；（5）安格尔的《大宫女》等等。
（拉斐尔的《圣母子》）
【B】中国价值连城的国画。
（1） 顾恺之的《洛神赋图》；（2）阎立本的《步辇图》；（3）张择端的《清明上河图》；（4）郎世宁的《百骏图》等等。
昨天是母亲节，下面选取两幅有关圣母的油画来解读，借此祝愿天下的母亲健康快乐！
一、拉斐尔的《圣母子》。这幅画收藏于美国华盛顿国立美术馆。圣母怀抱小耶稣坐在凳子上，远远的山峦融进浅蓝色的天际，色彩温和明亮。远处的教堂似乎在提醒人们，画作里的人物属于宗教世界。母亲的脸甜蜜、温柔，静美得只能是圣母。拉斐尔这幅《圣母子》代表着文艺复兴时期油画的最高水平。
二、 拉斐尔的《西斯廷圣母》。《西斯廷圣母》馆藏于德国德累斯顿博物馆。
（拉斐尔的《西斯廷圣母》）
圣母怀抱孩子，脚踏祥云，缓缓而来。红色长裙象征着她是圣家族的成员，深蓝色的斗篷说明她是人间最圣洁的女子。红色与蓝色是圣母固有的代表色；就像黄色是中国皇帝固有的颜色一样。其代表着地位、身份。画面左边的男子是西斯廷创造者圣西斯图，他脱下教皇的皇冠，躬身迎候圣母圣子的到来；右边的女子是圣母的信徒芭芭拉，她半蹲半跪屈膝迎候圣母圣子。整个画面美丽神圣，爱与敬仰都表现得恰如其分。再细看圣母的表情，却是矛盾的——因为她的孩子已被上帝选中，去拯救苦难深重的世界。
杰克森·波洛克的抽象画《1948年作品第五号》2006年11月3日拍出1.4亿美元。
笔者观点：这幅画作是行动绘画艺术的代表作，画家通过白、黄、栗、黑四色，采用随意泼墨、拉丝等手法，表现出厚重、多层次的视觉感受。让人好似置身于一个压抑但并不完全封闭的空间，让人内心不由得产生出类似破茧成蝶求生欲。据说画家使用帆布，表现出了更立体的层次感，本人没有见到过实物作品，只能通过图片来简单体会了。
2006年6月20日拍出1.35亿美元。
笔者观点：理解这幅画，需要对美术史有一定的了解，画家古斯塔夫·克利姆特是奥地利新文化运动（又称：分离派）的代表人物，他们的绘画特色就是用长而有致的线条去表现绘画内容，而克里姆特又是极具个人绘画风格的画家，因此被誉为“奥地利最伟大作家”，他的个人特色尤为突出，喜欢用极致绚丽的金属色和一维平面的抽象元素来表达自己的作品，其作品糅合了古埃及、米诺、古希腊及拜占庭文明，也受到了欧洲中世纪晚期及日本浮世绘影响，他所绘画的作品风格异常华丽，艺术表现精美，装饰意味非常浓郁。
这幅油画《阿德勒·布罗赫·鲍尔夫人》（见图）高贵华丽，富丽华美，采用了写实与抽象的统一的绘画手法，是他的最具代表性的作品之一。 这幅作品的肖像画对象是奥地利19世纪末最富有的女人——银行家和制糖大亨费迪南德·布罗赫·鲍尔的夫人。画中，鲍尔夫人身穿金黄色肩长裙礼服，黑发表现的蓬松张扬，不乏时尚气息。画家对人物面部采用了写实的手法。身上所带的高贵首饰象征着鲍尔夫人财富的富足，使用正襟端坐的动作以及庄严神态来表现其身份的高贵。在细节处理上，作者突出表现了绘画对象略带忧郁的眼神，以及半合着的细腻双手。让人不免产生遐想，在一个美丽而又高贵的身体里，隐藏着一个躁动不安的灵魂。作品整体来看，给人的直观感受就是金碧辉煌，给眼睛了强烈的视觉冲击感，细细品味，又可以在作品细节中感受到在极致炫彩的表象下面，隐藏着一种情爱与伤感，甚至还能感受到一种潜意识下的最真实的人的原始欲望。
2004年5月5日拍出1.0416亿美元。
作者观点：这幅作品创作于1905年，至今保存完好，这也是它收藏价值的重要基础，它也是毕加索玫瑰色时期的经典之作。从作品本身来看，画家用色艳丽，充满浪漫主义色彩，画法倾向于写实，画家重点描绘了“小路易”（毕加索对模特的称呼）的面部细节和手部动作，画面内容上模特身穿蓝色工作服，手拿烟斗，头戴花环，背后两大束色彩艳丽的花卉。画面整体充满和谐，基调温暖，唯有的两处矛盾点在眼神和手部动作上，首先手部动作并非人们习惯性拿烟斗的姿势，显得很生疏。其次，模特的眼神非常深邃，让整幅画作充满了一些神秘感。模特头上的花环又给充满矛盾的模特身上带来了一丝希望，好似当你思考一个难题时，突然有了头绪的感觉。
这幅作品的价值还体现在另一个方面。据说，在收藏过程中还有一个凄美的爱情故事，笔者就不在此过多赘述。
2006年拍出9520万美元。
笔者观点：这幅作品算是毕加索经典之作之一，创作于1941年，这幅作品完整体现了毕加索的立体主义思想，画面中所有元素的多面都被统一的展示在一维平面之上。
对于模特道拉·马拉，她本身是毕加索的情人，也是毕加索画过最多的模特，大家可以看到道拉·马拉的眼角的眼泪，这也是毕加索对这位情人的经典诠释，据传这幅作品是毕加索最早描绘流泪马拉的画作。这一点就足矣让这幅画成为毕加索作品中“经典之上的经典”。
在西方绘画史中，猫和女人同时出现在作品中，通常是在隐喻女性的阴谋和对性爱的欲望。从另一个细节也可以看出阴谋的味道，大家可以看到毕加索把模特指甲描绘的犹如猫爪一样尖利。
从画作整体来看，毕加索对这幅作品相当用心，所以细节都描绘的相当到位，例如：椅子脚、衣服上的图案以及道拉·马拉的经典帽子。画面的构图也突出表现了模特本身，体现了毕加索对其情人深遂而又充满矛盾的爱。
1990年5月15日拍出8250万美元。
笔者观点：这幅肖像画创作于1890年6月，主要描绘的是加歇医生和其手中的一株毛地黄。 画家描绘的模特姿态安详，画面整体构图沿对角线，从画面左上角到右下角贯穿展开。
画面中动态、扭曲的线条暗示了画家内心的紧张和痛苦，作品用色非常矛盾，整体以蓝色为主调，导致桌子显得异常突兀，带给人一种不安的紧张感。
作品背景、画家创作时笔触的方向、使用色彩突兀与冷暖色转调等都体现了梵高后印象派的独有特点，因而成就了这张肖像画在绘画史上不可取代的地位。
世界上知名度最高的绘画，在艺术界确有公论，在油画领域有两幅，一幅是文艺复兴艺术巨匠达芬奇的代表作《蒙娜丽莎》，另一幅是后印象派大师梵高的《星空》，这两幅油画在艺术圈的名气和热度，分列第一名和第二名，价格自然贵得离谱。
《蒙娜丽莎》是由达芬奇花费14年心血创作而成，是古典主义油画最重要的代表作，如今是法国卢浮宫的镇馆之宝。此画因为采取写实手法，并启用模特创作，因此，这幅画任何观者都能看懂，都能被《蒙娜丽莎》的艺术魅力所感染。
在画中，达芬奇以科学的造型手段和光影技法，以及和谐的色彩，细致的笔法，为人们塑造了一位美丽优雅而又充满智慧的女性，代表了文艺复兴时期女性自信力和女权意识的不断提升。
据某个艺术机构估价，《蒙娜丽莎》1000亿欧元也买不到。
《星空》是后印象派大师梵高后期的代表作，在技法上，后印象派由于是古典油画与现代油画的分水岭，在西方美术史上拥有极其重要的地位，所以，此画无论是艺术价值还是经济价值，都高高在上。
后印象派油画把色彩和笔触推向了新高度，在《星空》中特别鲜明，梵高用奔放的笔触和饱满的激情，把夜晚星光的印象刻画成了螺悬状的形态，充满了动感，让油画的抒情意味大大提高，为油画的创作方向提供了一条可行之路。
若估价的话，《星空》同样是天价艺术品。
《星空》
国画最贵的，无疑是我国十大传世名画，其中最有代表性的，我认为是宋代山水画大师范宽《溪山行旅图》，北宋王孟希《千里江山图》，北宋张择端《清明上河图》。
天价国画作品之所大多集中在宋代，是因为宋代在文化艺术上取得的成就很高，得到了井喷式发展，宋代距离现在正好1000年左右，时间不是很长，留存下来的作品的品相都较多。另外，这几幅山水画都是尺寸很大的画作，价格自然不低。
山水画是我国传统的视觉艺术，人们欣赏起来不存在什么障碍，都可以看懂画面的内容和趣味。这几幅山水国画都在气势上取胜，把祖国大好河山延绵不绝的气势都真实地体现出来了。
《溪山行旅图》是竖幅山水，采取平视和仰视的构图方式，把大山的雄伟、巍峨展现得活灵活现。
《溪山行旅图》
《千里江山图》展现了江南水乡大山的那种秀润，峻逸的姿态。
《清明上河图》则体现了北宋都城开封繁荣，热闹的市井生活。 。
其实无论价格如何，这是由历史原因和作者本身的思想深度决定的，对于欣赏者，我们应该抛开价格看作品。因为艺术情感每个人都有。可以读读下文。
艺术情感
——灵遁者
“艺术情感”不应该是一个陌生词汇了，万里河山是有温度的，一个以画笔来展示艺术的人，知道什么，都不比知道“艺术情感”更重要。
每个人都会画画，这是真的，其实这句话最本质的企图是说每个人都有情感，都有表达情感，和与人交互的诉求。为什么说“相声”是艺术，为什么“唱歌”是艺术，你这下应该就懂了。
无论你怎么说话，都是“艺术的”，但并不意味着你是被人喜欢和喜爱的。大多数的不喜欢和不喜爱是源自“千篇一律。”所以很多人会追求“标新立异”，标新立异本身没有错，尤其是那些有“艺术情感”的作品。
“艺术情感”是通过你的一切去表现的，可以是空间，可以是颜色，可以是线条……当你去认真灌注情感的时候，你会发现一张画布上，你只是涂了一种颜色，它也是充满“温度”的。让人冷静，让人恐惧，让人温暖……总之它在传递给你某种力量，这既是那种“艺术情感。”艺术情感和艺术形式，以及艺术媒介没有关系，也就是任何形式和媒介都可以借以表达情感。
所以真正的艺术家一定也是创造者，会丰富创造材料，会设身处地去发现和创造更大空间……以便让他的情感宣泄更加淋漓尽致。不得不说，从事艺术是一件爱恨交织的事情，它和吃饭有关系。但确实对于真正的艺术家而言，能不能以此吃饭都不重要了。有一点很重要，就是所谓的艺术思维的枯竭和表现里力不足。
我不知道其他艺术家的状态，每个艺术家的状态大概是不同的。但我总是歇斯底里的，多数是因为表现力的不足而导致的，这主要是因为我没有学过。
创作过程永远不是平静的，只有创作完成并且满意的那一刻你是宁静的，你坐在画前，凝视着它，凝视着关于它的过往，你多半会泪流不止。这就是了，我们要的艺术情感你已经给出来了。
当然不是说所有人看到这幅画，都能如你一样被触动。不是的，他没有你的经历，甚至会觉得你可笑。但一定不要被这一部分欣赏者干扰。坚持自己，对于艺术家而言难能可贵。千万不要听那些成功者说，你要多画白菜，石榴这样寓意好的作品，有市场的作品。
有时候我会害怕拿起画笔，因为我怀疑自己，我看着自己画的东西，带有一种“脏”颜色，但我清楚，我可以做到干净的画面。但不知道为什么，我总是去那样画。我会害怕拿起画笔，怕有一次歇斯底里之后，终于不会再拿起画笔，也终于不会再写一首诗歌。
所以这时候你大概要意识到文化底蕴对于一个人有多重要了。没有文化底蕴的艺术家，如海上浮萍，纵然潇洒，终归懦弱。而有文化底蕴的艺术家往往能在激情或者激愤中创作，但创作完成之后归于平静。甚至不能创作完成，也能坦然处之。
天才常有，海子，顾城，梵高之类都是，他们以出色的文字或者画笔驾驭能力来表达情感，但不若老子之类的圣贤可以宠辱不惊。电视剧《天道》也是一个“解释”，如何对面生死，不同的人不同，但文化基因强大的人，生命力会更强。去读读《道德经》，去看看赵无极的抽象作品，也去看看张大千的泼墨作品……或者你就能从中有所感悟。
艺术情感与任何人而言不可或缺，哪怕他真的把画家当“泥瓦工”，他也认为那是在创作美。通常人们会谦虚说我不懂艺术，我看不懂——事实上他们还需要时间感悟，需要时间去经历而已。
独立学者，作家，艺术家灵遁者散文作品。
